Francesco Liccari: la musica di un “sognatore lucido”

Ciao a tutti!

Oggi vi voglio presentare Francesco Liccari, cantautore triestino che mi ha colpito non solo per la sua musica, ma anche per la sua personalità. Classe 1990, Francesco può essere inserito artisticamente nel filone folk-rock moderno; nelle sue canzoni crea una fusione magistralmente equilibrata tra musica tradizionale e d’autore, con varie contaminazioni stilistiche nelle quali introduce modalità comunicative assolutamente personali ed inedite. Pur essendo così giovane dimostra un atteggiamento umano e musicale molto riflessivo, introspettivo, maturo; la sua formazione scientifica abbinata alla passione per la letteratura e per la filosofia sono senza dubbio gli altri ingredienti fondamentali del suo modo di concepire e vivere la musica. Queste righe sono il risultato di una lunga chiacchierata fatta con Francesco: è stato un incontro molto profondo e vario in cui lui stesso si è definito “contemporaneamente un caso di ottimista e di pessimista”. Francesco Liccari ha già realizzato due  EP, “Memories of forgotten seasons” e “Raw notes”. I suoi riferimenti musicali vanno da Bob Dylan, Leonard Cohen, Cat Stevens, Lou Reed (e Velvet Underground), David Bowie, Woody Guthrie, Donovan, per arrivare agli italiani De André, Guccini, Branduardi e Bennato. Ognuno di essi gli ha in qualche modo fornito riferimenti e suggestioni, tuttavia nella “lista delle influenze” vi sono anche nomi apparentemente distanti da questi appena citati, come i Ramones (per la loro semplicità), i Pink Floyd (per la capacità di creare ambientazioni sonore e di trascinarvi dentro l’ascoltatore) e compositori contemporanei come Philip Glass (per la sua ricerca minimalista e la capacità di lavorare sulle emozioni date da minime variazioni di un tema musicale).

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In effetti i brani di Francesco richiamano più o meno direttamente, di sicuro idealmente, questi colossi della musica degli ultimi decenni. Suoni acustici caldi e poco filtrati da effetti sono alla base delle composizioni di Francesco Liccari che punta alla semplicità strutturale, timbrica. Il suo è un lavoro basato più sull’espressione e sul colore, che sulla varietà strumentale e strutturale. Il giovane cantautore vuole fare musica per esprimersi oltre i vincoli e le strutture già sperimentate, utilizza per esempio tempi dispari per trasmettere particolari sensazioni e potenziare il significato testuale dei brani. La scelta della lingua inglese è dovuta alla maggiore libertà con cui si può e si sa esprimere: ama giocare con i diversi significati che può avere la stessa parola, che permette differenti letture e l’evocazione di più immagini. Anche se l’idea generale nasce in italiano, o addirittura in dialetto triestino, la canzone è pensata in inglese, lingua da lui percepita come più introspettiva. Chi ascolta i brani, quindi, il più delle volte non capisce chiaramente il senso (o i sensi) del testo: Francesco canta per chi vuole farsi coinvolgere emotivamente, per chi vuole entrare in contatto emotivo e che quindi è disposto a leggere e tradurre i testi in un secondo momento o semplicemente ad avvicinarsi a lui per parlarne di persona. Ecco la chiave del mondo artistico di Francesco Liccari: l’empatia, l’immedesimazione, la condivisione, la ricerca interiore.

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Il processo compositivo è per Francesco Liccari un vero e proprio processo catartico attraverso cui si libera di un peso interiore. …e le tematiche non sono infatti leggere: si parla di vita e morte, di amori malati finiti in violenza, di relazioni spezzate, del rapporto uomo donna ed in generale delle relazioni umane. Si presentano persino immagini assolutamente negative del mondo, visioni della sua fine, della corruzione del genere umano. L’uomo resta comunque al centro e Francesco è particolarmente ispirato dal ruolo dell’individuo nella società che più si allarga e più si uniforma, così da rendere il singolo una nullità, “un arredo”, una vittima del sistema-branco privata di ogni individualità e considerazione. La stessa vittima arriva quindi, sommersa d’indifferenza, a non considerare più a sua volta chi le sta intorno. Non solo i testi sono impegnati nel tentativo di analizzare e discutere questo intrico sociale e psicologico che caratterizza e affligge noi del genere umano, ma Francesco stesso si impegna col suo modo di fare musica per abbattere queste barriere di anonimia. L’esibizione dal vivo deve portare ad un’osmosi tra l’artista e il pubblico, ogni brano viene eseguito ogni volta in base ai sentimenti del momento, all’aria che si respira, all’atmosfera del luogo, libero da cliché, modi e formule prestabilite. È una ricerca di calore, di condivisione del dolore …e della gioia, visto che nei brani di Francesco Liccari non manca l’aspetto ironico, sarcastico; lui è un “sognatore lucido” e molte delle storie che narra in canzone sono la trascrizione dei sogni che ha fatto. Gli spunti per i testi sono poi fatti reali di cronaca, situazioni vissute o semplicemente immaginate.

La produzione finora “pubblica” di Francesco consiste, come anticipato, in due lavori.

“Memories of forgotten seasons”, prodotto da Farace Records, raccoglie brani di differenti tematiche (la solitudine, la morte, l’amore), ma accomunati da simili atmosfere e sensazioni musicali.

“Raw notes” invece si caratterizza per l’eterogeneità musicale e per il modo in cui sono concepiti e scritti i testi: si basano spesso sulla contrapposizione tra figure, non sempre le storie sono definite, ma si tratta di racconti a metà, o suggeriti “a macchie”, perché vengano completati dalla fantasia di chi ascolta. Compare poi il gioco identità e ricordi, si parla di come i ricordi pian piano svaniscono e con essi si perdano pezzi di vita.

Dal 2016 Francesco collabora in studio e dal vivo con il bassista Enrico Casasola.

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Francesco sta attualmente lavorando al prossimo EP che conterrà quattro brani e vedrà la luce nel 2018: il filo conduttore sarà l’amore, sia quello caduto in un dramma, ma anche quello più allegro, o quell’amore fatuo e superficiale che anima molte delle promesse fatte tra amanti. Mentre poi Francesco continua a portare in giro la sua musica suonando e cantando dal vivo, punta anche a comporre in lingua italiana.

Per il 2019 ha invece in programma la preparazione e l’uscita di un album che, probabilmente, avrà la struttura di un “concept” e che richiederà un lavoro impegnativo poiché dovrà costituire un “tassello definitivo” del suo percorso artistico che gli auguro lungo e proficuo.

Qui sotto una serie di link per poter contattare Francesco, avere altre info su di lui e per poter ascoltare la sua musica!

http://francescoliccari.it/

https://www.facebook.com/FrancescoLiccari/

https://twitter.com/Franz_Liccari

https://www.youtube.com/channel/UCP9PzgCttvHeMGelWMjvgzA

Alla prossima!

Giuberto

Banda Berimbau: un ponte di musica tra Trieste e il Brasile

Bentornati! Oggi voglio presentarvi la Banda Berimbau, storica formazione musicale che ha base a Trieste e che si dedica alla musica del Brasile nelle sue varie forme ed espressioni. Per sapere esattamente quale è stata la genesi del gruppo, l’evoluzione del progetto, la sua forma attuale e le idee per il futuro, ho parlato con Alessandro “Pai” Benni (uno dei fondatori della Banda) e con Davide Angiolini (direttore artistico).

Ciao ragazzi e grazie per la vostra disponibilità. Frequento da poco il vostro gruppo, ma sin da subito sono rimasto affascinato dalla musica a cui si dedica e dalle sue attività. La Banda Berimbau infatti si articola in maniera abbastanza complessa ed interessante: sarebbe bello far conoscere a chi legge la vostra realtà. Quando e come nasce la Banda?

A: nel 1995 suonavo la chitarra in un trio che si dedicava alla bossa nova e ad altri generi appartenenti alla tradizione brasiliana e si chiamava proprio Banda Berimbau! In quegli anni, grazie alla spinta delle teorie di Basaglia*, si svolgevano presso l’Ospedale Psichiatrico di Trieste dei progetti di musicoterapia nei quali venivano coinvolti, insieme alle persone in cura, studenti, medici e insegnanti provenienti dal Brasile. Così nel 1996 il musicoterapeuta e musicista brasiliano Alberto Chicayban organizzò un gruppo di batucada che si esibì al carnevale di Muggia: con strumenti raccattati qua e là si esibirono insieme pazienti del Centro di Igiene Mentale, musicisti locali (tra cui il sottoscritto) e studenti sudamericani. Fu un’esperienza unica, così si pensò di organizzare meglio quel l’idea e nel 1999 venne fondata la vera e propria Banda Berimbau.

*[Franco Basaglia è stato uno psichiatra, neurologo e professore, fondatore della concezione moderna della salute mentale, riformatore della disciplina psichiatrica in Italia e ispiratore della cosiddetta Legge Basaglia (n. 180/1978) che introdusse un’importante revisione ordinamentale degli ospedali psichiatrici e promosse notevoli trasformazioni nei trattamenti sul territorio. – Fonte: Wikipedia]

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Quali sono stati i passi più significativi per la crescita del gruppo?

A: senza dubbio la partecipazione al Raduno delle Scuole di Samba Italiane tenutosi a Milano nel carnevale del 2000 ha dato la giusta spinta all’evoluzione della Banda. È stata la prima vera opportunità di confronto con altre realtà già esistenti nel nostro Paese e da lì abbiamo colto numerosi spunti musicali, tecnici e organizzativi che tuttora teniamo in vita e pratichiamo. Poi è stato fondamentale per i membri della Banda viaggiare in Brasile: imparare sul luogo d’origine i ritmi per comprenderne meglio il significato e la tradizione. Col tempo abbiamo curato anche i nostri strumenti: ogni viaggio è tutt’oggi occasione per riempire le valigie di percussioni da portare qui per i nostri soci. Non vanno poi scordati stage, masterclass e seminari tenuti da grandi maestri che molti di noi hanno frequentato in giro per l’Europa per poi riportare le conoscenze acquisite all’interno della Banda. Cito infine i corsi tenuti direttamente per la Banda da musicisti quali Mestre Marcao del GRES Academicos de Salgueiro, Mestre Mario Pam degli Ile Ayie, Mestre Afonso della Naçao Leao Coroado, Gilson Silveira, Kal Do Santos, Dudu Tucci, Dudu Fuentes e tanti altri.

Su quali modelli nasce la Banda Berimbau dal punto di vista organizzativo e per le sue finalità?

D: la Banda Berimbau è un’associazione che si rifà all’organizzazione e alle finalità dei gruppi tipici della tradizione musicale percussiva brasiliana, come i “Blocos afro” di Salvador, i “Gremios Ricreativo Escolas de Samba” di Rio e le Naçao de Maracatú di Recife e Olinda. Questi gruppi hanno un legame molto forte con la loro terra e sono saldamente connessi al tessuto sociale, infatti oltre a tramandare le tradizioni e la cultura locale, hanno innanzitutto una funzione di aggregazione e mirano ad affrontare le problematiche sociali. Solo a Rio le scuole di samba stanno trasformando le loro esibizioni in veri e propri show che coinvolgono musicisti di professione: la messa in palio di notevoli cifre ha fatto sì che all’aspetto tradizionale se ne sostituisse progressivamente uno più spettacolare e più legato al business.  La Banda Berimbau utilizza la musica come collante sociale e cerca di unire e accogliere tutte le persone che hanno voglia di imparare a suonare, indipendentemente dal loro genere, età, capacità tecniche, abilità e disabilità.

Come insegnate a suonare le percussioni? Servono delle competenze musicali e quale percorso si compie all’interno del gruppo?

A: come già detto, chiunque abbia la passione per la musica brasiliana e in particolare per le sue percussioni può frequentare la Banda. Il metodo messo a punto per l’insegnamento è un compromesso tra il metodo orale – sillabico usato tradizionalmente in Brasile e un’impostazione nozionistica di base che permetta a tutti di acquisire almeno dei rudimenti di teoria ritmica per poter capire meglio ciò che si suona.

D: per questo sono stati organizzati tre livelli: un corso base aperto a chi si approccia per la prima volta alla musica brasiliana, uno intermedio per chi ha acquisito una certa competenza sui ritmi e sugli strumenti o possiede già una buona tecnica acquisita con attraverso altri percorsi di studio e il terzo livello, quello più avanzato e in cui si richiede una maggiore serietà, cioè la Banda Berimbau vera e propria, che si esibisce in pubblico in occasione sfilate, manifestazioni e concerti.

A quanti anni si può iniziare a frequentare la vostra associazione?

D: è attiva la Scuola dei Bambini alla quale si possono iscrivere i piccoli. Il primo gruppo comprende i bimbi dai tre agli otto anni e il secondo dagli otto anni fino ai sedici.

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Se non sbaglio la Banda Berimbau non si dedica solo alle percussioni e comunque si articola in più progetti complementari: potreste descriverli in breve?

D: Abbiamo varei tipologie di spettacoli: “Canta Italia” abbina ritmiche brasiliane a melodie delle canzoni italiane più note; lo spettacolo “Canta Mondo”, realizzato con in cantante e attore Leonardo Zanier e il chitarrista Tiziano Bole, abbina ritmi brasiliani ai brani più noti delle varie tradizioni nazionali soprattutto rock e pop. Esiste poi il progetto “Binho Carvalho Show” che si concentra totalmente sulla canzone tradizionale brasiliana. Accanto a questi primi spettacoli più tradizionali esiste  “Talkin’ Vibes” in cui l’elettronica si mescola a ritmiche brasiliane rivisitate in chiave più moderna. Infine la Banda si dedica a spettacoli che si incentrano ognuno su un genere specifico come il Samba e il Maracatú. Parallelamente, la Banda Berimbau sviluppa progetti educativi di percussione e introduzione al ritmo e alla musica d’insieme all’interno di scuole, centri estivi e centri diurni per bambini e ragazzi diversamente abili. Il progetto AquaBrasil mette insieme aquagym e percussioni brasiliane dal vivo a bordo vasca in piscina, creando un’attivita’ mista tra ballo, sport e canto. Insomma…ce n’è per tutti i gusti.

Quali sono stati i palchi, o le occasioni, di maggior prestigio nei quali vi siete esibiti? Avete anche lavorato a delle produzioni?

D: tra le principali esibizioni di livello degli ultimi anni vanno menzionate: Festa Tradicional Italiana di Belo Horizonte (Brasile), tre edizioni dell’Exit Fest di Novi Sad (Serbia), Rock for People (Repubblica Ceca), Notte Bianca di Napoli e di Bucarest, TRL su MTV Italia, numerose edizioni del Dubai Summer Festival, Dubai Shopping Fest, Abu Dhabi National Day, Carnevale delle Culture di BerlinoLatinoAmericando di Milano, Rototom Reggae Sunsplash e Rototom Free, Carnevale di Venezia, Capodanno in Piazza San Marco a Venezia. Inoltre le aperture dei concerti di Gilberto Gil, Toquinho, Beth Carvalho, Sud Sound System. In Brasile la Banda si è esibita inoltre a Salvador de Bahia, Rio de Janeiro e Recife con numerosi gruppi tra i principali al mondo nel genere (GRES Academicos do SalgueiroBangalafumengaIle AyièEstrela Brilhante, Naçao Leao Coroado, Naçao Estrela Brilhante de Igarassu, Kizumba). Per quanto riguarda le produzioni, nel 2014 è uscito il DVD Live Banda Berimbau e Binho Carvalho Show che documenta lo straordinario concerto che ha conquistato i settemila spettatori di TriesteEstate 2012. Precedentemente, all’interno dell’album Jardim Electrico, a tribute to Os Mutantes, che ha riscosso un enorme successo di critica in Europa, Usa e Brasile, è stato incluso un brano inciso insieme al gruppo indie Franklin Delano.

Presumo che la Banda abbia ricevuto dei riconoscimenti o dei premi…

D: abbiamo sempre evitato competizioni o concorsi, chi ci voleva cio ha sempre contattato direttamente, non abbiamo mai avuto per fortuna bisogno di fare concorsi o cose analoghe… Una volta esisteva una specie di concorso informale tra “baterie de samba” in Veneto e noi tra il 2006 e 2008 (unici tre anni in cui la hanno organizzata) siamo arrivati primi, terzi e secondi. Nel 2016 l’Associazione Culturale Berimbau è stata insignita del Premio Regionale Solidarietà da parte della Consulta Provinciale di coordinamento delle associazioni delle persone con disabilità e delle loro famiglie (prov. di Gorizia), quale ente meritevole di aver dato aiuto e favorito l’inclusione alle persone con gravi difficoltà.

Quanti membri conta attualmente l’associazione e quanti sono i componenti della Banda che si esibisce?

D: gli iscritti all’associazione sono attualmente un centinaio, di cui quaranta sono membri effettivi della Banda vera e propria.

Immagino che nel corso degli anni il gruppo sia stato frequentato da tante persone: in relazione agli aspetti umani e musicali, quali sono state le più belle soddisfazioni per voi che dirigete la Banda?

A: di sicuro la cosa più curiosa e soddisfacente è stata quella di insegnare la musica brasiliana a dei brasiliani residenti a Trieste che nella loro terra d’origine non avevano avuto modo di studiarla e praticarla. Un grande appagamento, oltre che una grossa responsabilità, è sapere che per molte persone la frequenza delle nostra attività è un modo per affrontare e superare gravi problematiche personali. È bello anche che la Banda sia stata frequentata da bravissimi musicisti che hanno scelto il nostro gruppo per confrontarsi e completare le loro conoscenze. Insomma, ognuno frequenta la Banda con modi, aspirazioni e motivazioni molto differenti!

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Ultima ed importantissima domanda: potete parlare del progetti di volontariato e di utilità sociale che sostenete direttamente e a distanza?

D: per seguire ulteriormente la sua vocazione sociale, Banda Berimbau sostiene economicamente un centro di recupero per ragazzi di Salvador de Bahia(il C.C.O.R. nel Calabetao), il tutto per tramite dell’associazione italiana “Ragazzi di Val”. Con il nostro contributo finanziamo dei corsi di percussioni seguiti dal maestro Mario Pam, direttore dell’importantissimo gruppo Ilê Aijê e parte delle spese del centro. Il secondo destinatario dei contributi di beneficenza è la sede locale dell’Associazione Donatori di Midollo Osseo (ADMO). Collaboriamo poi con l’Associazione Donatori  Sangue di Trieste, organizzando varie donazioni “di gruppo” nel corso dell’anno.

Vi ringrazio ragazzi! Invito i lettori a dare uno sguardo al sito www.bandaberimbau.com e cercare video, notizie ed eventi su YouTube e sulla loro pagina Facebook. 

Grazie mille per l’attenzione è come di consueto commentate e condividete!

Alla prossima,

Giuberto

Inanna: uno spettacolo per i sensi

Ciao a tutti e ben tornati!

Dopo un periodo di pausa – dovuto al mio trasferimento dalla Sardegna – sono orgoglioso di riprendere le pubblicazioni su questo blog: parto da un nuovo contesto, quello triestino, e sono sicuro di potervi regalare interessanti contributi e tante novità!

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Ripartiamo alla grandissima parlando degli Inanna. Non basta una semplice definizione per descrivere la completezza e la complessità del progetto Inanna. Ho avuto la fortuna di assistere alla serata del 7 febbraio 2017 al Teatro San Giovanni di Trieste: mi è servito qualche giorno perché le sensazioni provate sedimentassero in me e potessi scrivere queste righe. Innanzitutto gli Inanna portano al pubblico uno spettacolo che unisce più linguaggi artistici ed espressivi: musica, teatro, danza, in una performance che avvolge lo spettatore di suoni e visioni. Gli Inanna sono un’esperienza pressoché totale per i nostri sensi.
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Le musiche si presentavano come delle ampie ambientazioni capaci di trascinare i presenti avanti e indietro nel tempo; ovunque, nello spazio reale, in quello fantastico e in quello interiore. Francesco Amerise (canto e strumenti etnici acustici) e Federico Mullner (tastiere, computer e dispositivi elettronici) viaggiavano e vagavano in improvvisazioni che univano in-musica world, ambient, psichedelia, elettronica e tante altre influenze. Si viveva l’incanto di sorvolare terre antiche e lontane, ere perdute, epoche incrostate nel fondo della mente, la meraviglia di saltare nello spazio siderale o in un futuro fantascientifico-artificiale. Si ricadeva poi, come risucchiati, dentro gli spazi angusti del subconscio umano, nel tormento della sua psiche, nei livelli reconditi dei sentimenti e delle paure ancestrali. C’erano voci che sapevano di Tibet, di cattedrali medievali, di picchi montani irraggiungibili, perfino di profondità oceaniche; le percussioni conducevano in Medioriente, ovattate campane richiamavano minuscoli paesi accoccolati in valli distanti. Suoni lisci che sapevano di freschi risvegli sfumavano su ruvidità uditive: c’era una latente sensazione di tensione, di mistero, qualcosa di mistico e onirico, qualcosa di ipnotico e ossessivo.

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Poi, accanto alla musica che attraversava gli elementi della materia e l’intangibile, vi era la visione: le danze e i riti delle due figure in movimento intessevano un dialogo reciproco, una conversazione con la musica, una disputa col respiro e le attese degli spettatori. Emiliano Fantechi (kontakt juggling) era lo sciamano, il sacerdote, il granmaestro: statuario occupava il centro della scena, conduceva la cerimonia del viaggio e della regressione. Il suo era come un leggere nelle sfere di cristallo per intuirvi dei percorsi, pareva poter mescolare i tempi e i pensieri con una sola mano. Lo faceva con gran facilità, con la sicurezza irremovibile di un dio che gioca con vite e anime delle sue creature: il cristallo pareva liquido, fluido, gommoso; i globi diafani erano lenti di una visione che dal dentro portava fuori, e viceversa. Tutto annunciava una scena di sacrificio, tuttavia scampata. Kàartik (dance perfomer), ospite speciale della serata, era invece l’idolo: è apparso come un feticcio, una figura femminile archetipica, ornata a festa, ricolmata di doni e preghiere. Era il suo un incedere denso che univa in una favolosa alchimia danze indiane, mediterranee e danza contemporanea. L’ingresso in scena è stato sensuale, quasi provocatorio, ma progressivamente quel essere mitico ha dato il via alla decostruzione di sé: dapprima ha iniziato a provare pudore – come una simil-Eva da peccato originale – progressivamente ha perso la sua sicurezza e da donna si è spogliata della menzogna per rivelarsi uomo. Infine l’uomo si è ridotto ad una larva senza volto, senza identità, senza libertà; vi era la disperazione di un  grido di tormento – muto – che viene da uno spirito prigioniero del corpo materiale.

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Insomma, quello degli Inanna è uno spettacolo al quale non si assiste abitualmente: richiede immedesimazione, stimola l’immaginazione, coinvolge profondamente, ci chiama a riflettere.

Grazie per l’attenzione: commentate e condividete! Al prossimo articolo!

Giuberto

AgorA’ – il duo “cantautorale elettronico” e il loro primo disco

“E tu spediscimi… lontano dove non posso fare danni 
forse sull’isola…
dove ci sono marinai poeti assassini e di guai,
ne han già visto tanti…
forse sull’isola… “

Ciao a tutti e bentornati!

In questo mio nuovo articolo voglio presentarvi un progetto musicale davvero interessante per diversi aspetti. Il duo “Agorà” nasce nel 2014 dallo scioglimento della rock-band VAR (durante la loro carriera hanno fatto in diverse occasioni da gruppo spalla per: Linea 77, Meganoidi, Almamegretta, Omar Pedrini, Francesco Sarcina, Radici nel Cemento, Negrita). Walter Pinna (voce e chitarra acustica) e Cristian Sarigu (tastiere, basi elettroniche, suoni e sinth) si sono uniti per dar vita a nuove esplorazioni sonore. Distaccati dalla logica della band in senso stretto, dai suoi suoni, dai suoi strumenti e dalla gestione di un numero maggiore di componenti, gli Agorà si dedicano in duo al genere che loro stessi definiscono “cantautorato elettronico”. Il loro primo disco è intitolato appunto “Agorà”, presenta otto tracce e già ad un primo ascolto colpisce per il carattere singolare, per le particolari commistioni sonore e per le influenze stilistiche. Per capire meglio questo lavoro ho parlato con Walter…

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Ciao Walter! Grazie per la disponibilità e complimenti per il vostro CD! Quali sono i caratteri della vostra musica, le influenze e gli obiettivi?

La nostra è una musica fondamentalmente intimistica e profonda dal punto di vista dei testi e delle atmosfere, ma a questa dimensione più raccolta e acustica (che viene evidenziata dalla voce e dalla chitarra), accostiamo suoni elettronici, suoni sintetizzati e ritmiche incalzanti.

Quali sono le vostre influenze? …mi colpisce la vostra pasta sonora data dal calore della voce, dal suono naturale della chitarra acustica e dall’elettronica che fa loro da involucro e da binario…

Sicuramente per la scrittura l’ispirazione deriva dai cantautori italiani, in particolare da Fabrizio de André, del quale abbiamo inserito nel CD una “Disamistade” rivisitata secondo il nostro stile. Non mancano poi altri artisti contemporanei tra cui Max Gazzé, Nicolò Fabi, Daniele Silvestri e anche vari cantanti e band del rock italiano. Nelle parti elettroniche di Cristian trasudano riferimenti come i Subsonica, i Depeche Mode e anche grandi tastieristi che hanno tracciato la storia del rock come Jon Lord dei Deep Purple e John Paul Jones dei Led Zeppelin.

Personalmente percepisco nel vostro disco l’eco di molta musica degli anni Ottanta, una vaga aria dei Tiromancino e di una certa produzione di Franco Battiato! Ma come avviene la fase compositiva, Walter?

Generalmente compongo da solo musica e testi, lo faccio in momenti di estremo raccoglimento personale in cui mi isolo da tutto il resto. I testi non sono mai banali, anzi spesso trattano tematiche molto forti, per esempio “Vane Ovulazioni”… I grandi cantautori mi stimolano in questa necessità di parlare di argomenti importanti e di dar voce a sentimenti profondi e talvolta complessi. In una seconda fase interviene Cristian che con la potenza dell’elettronica aggiunge tappeti, suoni e beat: il suo è un apporto davvero importante anche perché corregge, arrangia e caratterizza definitivamente la fisionomia dei brani. Basta pensare alla serrata pulsazione drum & bass di “Principio della Lava”…

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Potresti dire due parole sulla scelta del nome Agorà?

Il nome “Agorà” vuole richiamare l’immagine di una grande piazza ricoperta da tantissime mattonelle: sotto ognuna di queste ci sono canzoni e sonorità sempre diverse che dobbiamo scoprire.

Dove possiamo trovare del materiale su di voi?

Innanzitutto sulla nostra pagina facebook AgorA’

Inoltre su youtube potrete trovare tre nostri videoclip: Principio della Lava, Vane Ovulazioni e Forse sull’Isola.

Grazie per averci parlato di questo vostro interessante lavoro!

Anche per questa volta è tutto! Vi invito a condividere e commentare questo articolo e a cercare il CD degli Agorà!

A presto,

Giuberto

“In my Mind”: il nuovo album dei Caribeasts

Ciao a tutti e benvenuti ancora una volta sul mio blog!

L’articolo di oggi è dedicato all’album “In My Mind” del duo strumentale The Caribeasts composto da Michele Sestu al pianoforte e da Stefano Di Carlo alle percussioni. Il nome stesso della band descrive pienamente il carattere della musica e le sonorità di questo lavoro: abbiamo a che fare con dei musicisti “maledettamente” capaci ed espressivi che si muovono nell’ambito della musica che possiamo molto ampiamente definire “latin”. Perché ascoltare questo disco? Beh, i motivi sono tanti! Innanzitutto per gli appassionati delle atmosfere Sud Americane e Caraibiche, questo è un concentrato di evocazioni, atmosfere, riferimenti che non deluderà affatto. Per chi ascolta con orecchio critico c’è da restare stupiti dalla bravura di Michele e di Stefano: ritmi intensi, mai troppo carichi e ripetitivi, melodie fortemente evocative capaci di rapire la nostra mente e di farla viaggiare in luoghi lontani. Ma siamo – fortunatamente – davvero lontani dalla stucchevolezza e dalla banalità dei cliché che caratterizzano una buona parte di lavori “qualunquisti”, anni luce distanti rispetto a quei dischi e a quelle formazioni che attingono a piene mani pattern, modi e strutture d’area afro-caraibica e le assemblano insieme senza attenzione e senso. I The Caribeasts si esprimono in un modo totalmente diverso dallo pseudo latino-americano urlato e standardizzato che viene propinato dalle radio commerciali.

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In My Mind” condensa in nove tracce colori e sapori sonori caldi e coinvolgenti, lo fa attraverso una rielaborazione unica che rivela il carattere, il gusto, la formazione e l’esperienza dei due musicisti. Un duo sardo che richiama l’Oltreoceano, ma che fa sentire anche la sua voce personale. Stilisticamente emerge il tocco Classico del piano, ma anche il riferimento a generi più europei e a noi vicini riscontrabili nel gusto leggero di “No More” o quello più retrò di “Waltz For You” e di “Bahamas”. L’apparato ritmico non fa una piega: preciso ed efficace, mai carente, mai troppo esuberante. In primo piano sono le congas che specie in “Limbolumbia” svolgono una funzione melodica attraverso il dialogo e l’intreccio con il pianoforte. Stupendo l’uso elegante di altri strumenti a percussione che sostengono, decorano, ma non sporcano. Insomma, stupirà l’equilibrio di questo duo; è un duo che colpisce, nella sua essenzialità, per la sua completezza.

Ora passiamo a delle brevissime domande ai The Caribeasts: Michele Sestu e Stefano Di Carlo. Ciao ragazzi, grazie per la vostra disponibilità e complimenti sinceri per questo vostro lavoro. Innanzitutto vi chiedo due parole su di voi, la vostra formazione ed esperienza e sul progetto The Caribeasts.

Perché il titolo “In My Mind” e, per chi legge, potreste definire meglio il genere della vostra musica?

In My Mind è il titolo del primo brano composto da Michele per i The Caribeasts. È un titolo significativo che riassume il motto compositivo del pianista Michele Sestu, ovvero: “Se suona bene nella mia mente, suonerà bene ovunque”. Abbiamo voluto dare questo titolo anche al primo album, in quanto contiene musica che rispecchia questo motto. Il nostro genere musicale é il jazz caraibico, del quale ci consideriamo pionieri e forse inventori. Si tratta di un tipo di musica che ingloba i generi musicali di tutti i Caraibi, sviluppati e conditi con alcune particolarità tipiche del linguaggio jazz.

Come è avvenuta la fase compositiva e chi si è occupato delle registrazioni?

Inizialmente, i primi brani sono stati composti da Michele al piano, con indicazioni di massima sul ruolo delle percussioni, in modo da lasciare un abbondante margine tecnico-espressivo a Stefano. Ultimamente, con l’acquisizione di nuove capacità da parte di entrambi, sta avvenendo anche il contrario. Ne è un esempio “Verraco Loco”, la cui idea compositiva è attribuibile interamente al percussionista Stefano Di Carlo, sebbene il pianoforte ha mantenuto un ampio margine di intervento. In fin dei conti, ognuno di noi due compone la propria parte, che é strettamente interconnessa alla parte dell’altro, anche grazie a un espediente unico, quale la particolare accordatura del set di percussioni. Il risultato è una musica composta da un unico compositore con due menti e quattro, anzi sei braccia (il mostro / bestia dei Caraibi … the caribeasts). La musica del primo album è stato registrato da Pierpaolo Meloni, Audiostudio, a Sestu, con cui abbiamo in progetto di registrare un EP interamente in analogico.

A proposito di interconnessione; alcune persone, hanno notato, che dal vivo nessuno di voi due stacca il tempo. Come fate?

Anche questa è una nostra caratteristica di unicità. Si tratta di un’evoluzione delle tecniche di direzione d’orchestra, applicate alla nostra formazione di due elementi, senza peraltro avere il direttore d’orchestra. Mi spiego meglio: i direttori d’orchestra, quelli bravi, difficilmente staccano il tempo gesticolando nel vuoto prima dell’inizio di un brano, eppure riescono a far attaccare decine, se non centinaia di orchestrali simultaneamente, con enorme sicurezza e con la velocità corretta. Come fanno? Bene, osservateli e capirete.

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Quali spazi accolgono la vostra musica qui in Sardegna? Avete anche degli appuntamenti altrove?

Il nostro show é adatto alle sale dotate almeno di un pianoforte acustico. Questo é il nostro unico requisito. A Cagliari ci sono alcuni locali adatti, sia per la dotazione del pianoforte che per il connubio col nostro genere che, sottolineiamo, é unico. Abbiamo suonato per l’inaugurazione della lodevole iniziativa “Un pianoforte per Cagliari” e in alcuni dei locali sopra menzionati. Confidiamo di fissare un appuntamento ricorrente in uno di questi locali a partire da settembre del 2016, una sorta di esclusiva. Per quanto riguarda l’estero, stiamo cercando di suscitare l’interesse di una major, di cui adesso non possiamo divulgare ulteriori dettagli, in modo da unire la stagione concertistica alla produzione discografica. Del resto possiamo contare su un repertorio di trenta brani originali, nonché di un album già prodotto, pronto per la commercializzazione.

Domanda da “ascoltatore medio”: perché un duo strumentale e nessuna parte vocale?

Perché la musica è capace di comunicare più delle parole. Ovvero, la comunicazione mediata dalle parole, essendo una forma di comunicazione denotativa, obbliga l’ascoltatore a percepire un significato preconfezionato da cui non c’è via di scampo. La musica strumentale, essendo una forma di espressione connotativa, permette di trasmettere il senso, l’archetipo della sensazione, che ogni ascoltatore percepisce a livello inconscio e ne trae un risultato sensoriale proprio e immediato. In questo modo, la musica pura, strumentale, è di più facile percezione del cantato, anche se molti sono convinti del contrario.

Quali sono i canali nei quali poter trovare delle informazioni sulla vostra musica e sui concerti?

Abbiamo un sito web: www.thecaribeasts.com e la pagina facebook ufficiale.

Grazie di cuore ragazzi!

Cari lettori, non perdetevi dunque “In my Mind dei The Caribeasts” e i loro live!

Commentate e condividete!

Alla prossima,

Giuberto

“Toccos de Ballu”: il nuovo lavoro di Emanuele Garau

Ciao a tutti voi e bentornati sul mio Blog!

Considero l’articolo di oggi davvero speciale perché è dedicato a “Toccos de Ballu”, l’ultimo lavoro di Emanuele Garau, studioso di cultura e tradizioni sarde e cantante con il quale collaboro dal 2009. In questo disco compaiono le mie percussioni e sono inoltre orgoglioso di aver curato la grafica della copertina e del disco. Emanuele Garau è uno dei maggiori rappresentanti della musica e delle tradizioni sarde grazie al suo pluriennale lavoro di ricerca, rielaborazione, pubblicazione e divulgazione: sono ormai numerosi i suoi libri e i suoi dischi, tantissime le serate in piazze e teatri nelle quali come cantante e presentatore interpreta e diffonde la “storia” musicale della nostra Isola.

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Il lavoro “Toccos de Ballu”, recentemente pubblicato dall’editore NOR, si articola in un libro e in un CD musicale allegato. Il libro si presenta come una sorta di guida che espone le varie tipologie coreutiche della tradizione sarda: vengono fornite per ogni “genere” di ballo delle informazioni essenziali, corrette e al contempo esaustive. Si analizzano nello specifico: Ballu lestru, Ballu campidanesu, Danza, Dillu, Passu Torrau, Scottis, Ballu tundu logudoresu, Ballu brincu, Ballu de Ottana, Passu ‘e trese, Baddu a passu, Ballu aristanesu, Ballu ‘e ischina, Ballu tundu iscanesu e Ballittu.

Il disco allegato contiene ben 18 tracce suonate dai musicisti che collaborano da anni con Emanuele Garau e da numerosi ospiti. Si possono così ascoltare una varietà di sonorità, stili personali e generi che – tra strumentali e cantati – rivelano le varie anime della Sardegna e dei suonatori che ne interpretano il patrimonio musicale. Nel disco si possono ascoltare: Emanuele Garau (voce), Valentino Serra (chitarra), Giuseppe Roberto Atzori (percussioni), Antonello Carta e Augusto Ibba (fisarmonica), Efisio Puddu (organetto diatonico e trunfa), Massimo Congiu (launeddas), Gianluca Piras (sulittu), Mattia Murru, Samuele Meloni e Matteo Chessa (organetto diatonico).

Il lavoro verrà presentato in due distinti appuntamenti:

-Lunedì 11 luglio alle ore 20.00 nella piazza San Domenico a Cagliari;

-Mercoledì 13 luglio alle 19.30 presso il cortile del Palazzo Municipale di Cagliari in via Roma.

“Toccos de ballu” è dunque un pezzo prezioso che non può mancare nella libreria degli appassionati di balli, canti e tradizioni sarde! Non mancate inoltre alle presentazioni durante le quali avrete modo di conoscere di persona Emanuele Garau, i suoi musicisti, la pubblicazione e potrete partecipare in prima persona ai momenti di ballo collettivo.

Troverete ulteriori info su www.emanuelegarau.it e cercando su facebook Emanuele Garau

Grazie ancora una volta per l’attenzione e vi invito a condividere e commentare!

Alla prossima!

Giuberto

Intervista a Paolo Sanna, percussionista sardo di fama internazionale

Benvenuti alla prima intervista del mio Blog!

Per inaugurare questa “serie” di articoli ho scelto un grande personaggio della Sardegna, un artista che dal suo piccolo centro del Medio Campidano si è spostato in giro per il mondo per poter prima studiare, imparare e ricercare e ha poi continuato a viaggiare per diffondere i risultati del suo lavoro in maniera creativa. Paolo è una persona dalla grande preparazione culturale e di enorme sensibilità. Il suo studio è un luogo di meraviglie musicali, le sue lezioni individuali e di gruppo si configurano come dei momenti di conoscenza – non solo di ritmi, tecniche e strumenti – ma anche di Storia, storie di popoli e di tradizioni. Per voi a seguire un’approfondita intervista che aiuterà a conoscerlo e a capirlo a fondo! Buona lettura!

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(Giacomo Salis / Paolo Sanna Percussion Duo – foto di Mauro Medda)

Ciao Paolo: a te il mio migliore benvenuto! Grazie per essere il primo ospite del mio blog “giubertoatzori.it” Averti qui per me è un immenso onore, oltre che un piacere! Partiamo con le domande…

Dove hai studiato durante la tua formazione?

Mi sono avvicinato alla batteria e alle percussioni in modo istintivo da ragazzino. Allora non c’erano certo i materiali che facilmente troviamo oggi e men che meno c’era internet, quindi comprai una copia del Gene Krupa (unico manuale in italiano allora disponibile e che ancora conservo) ed iniziai a studiare  da solo, ero veramente “preso” da tutto ciò che era batteria e percussioni. Ho iniziato a studiare batteria al C.P.M. di Milano nel 1985 con Alfredo Golino, un grande musicista e batterista, ma non posso certo considerarmi un suo allievo, anche perché andai via dalla scuola per poter viaggiare e portare le ricerche nella direzione che mi interessava di più. Ho poi studiato percussioni arabe per due anni alla scuola di percussioni Timba di Roma con Ahmed Yaghi, eccellente percussionista libanese. Sempre a Roma ho studiato percussione persiana con Siamak Kalili Guran, Kurdo iraniano, concentrandomi sul daff persiano. Siamak, cantante, percussionista e suonatore di tar e utar (cordofoni di area persiana) è laureato in canto, tar e utar al conservatorio di Teheran. Parallelamente, sempre a Roma, nello stesso periodo (parlo dei primi anni 90) ho preso lezioni di berimbau dal percussionista brasiliano di Bahia Marcos Rodrigues (ero rientrato dal mio primo viaggio in Brasile poco tempo prima), ho anche frequentato diversi laboratori, dal CIAK sempre a Roma, con Rosario Jermano per conoscere la sua tecnica slide usata col berimbau, a altri laboratori sia di batteria che di percussioni, con Celso Machado e altri… Sono sempre stato interessato ad argomenti particolari che spesso non vengono trattati  sui testi. Ho poi una schiera di quelli che io chiamo i miei “maestri inconsapevoli”… sono i musicisti che con i loro esempi, anche di vita, mi hanno dato degli input importanti.

Lo studio della batteria e delle percussioni è andato di pari passo, o le percussioni sono arrivate dopo?

Non ho mai separato le due cose. Fin dall’inizio  è stato del tutto naturale portare avanti lo studio della batteria e delle percussioni, studiando con vari battenti e con le mani le tecniche relative di ogni strumento… credo nasca anche da questo il fatto che normalmente suono su dei set “ibridi”.

Hai viaggiato in vari Paesi del mondo per imparare le tecniche, conoscere gli strumenti, i ritmi e le culture. Dove hai studiato, con chi e quali strumenti? Ai tuoi allievi raccomandi sempre di avere “rispetto”: cosa significa esattamente?

Ho “incontrato” il berimbau nel mio primo viaggio in Brasile e li potei apprendere da vicino i primi rudimenti sullo strumento: questo primo viaggio durò poco più di un mese, non potevo fermarmi oltre, ma venivo da tre mesi trascorsi in Mexico,  dove ebbi la possibilità di avvicinare dei musicisti locali. Si trattava di un trio tromba, contrabbasso, marimba. Il suonatore di marimba suonava anche le maracas in modo pazzesco, così chiesi delle lezioni, riuscii a convincerlo e per tre mesi non feci altro… Dopo aver comprato un paio di maracas in cuoio fu un continuo lavorare sulla tecnica (strumento a torto poco considerato in occidente) e sul gesto. Dopo i tre mesi in Messico mi spostai in Brasile, come dicevo, e mi avvicinai al berimbau,  ai caxixi di varie misure e forme e altre piccole percussioni. Sono tornato a Bahia l’ultima volta qualche anno fa per raccogliere altro materiale musicale, cd, percussioni per portare avanti studi e ricerche. Gli altri luoghi dove sono stato sono il nord Africa, Algeria, poi l’estremo oriente, South Korea, Japan, dove ho ricercato e raccolto materiali relativi a sciamanismo, musica, percussioni. Da queste esperienze ho capito che il rispetto per le “culture altre” deve essere il primo elemento che ti porta verso il confronto, verso ciò che può interessarti. Ai miei allievi parlo di rispetto,  cioè quel tipo di rispetto che nasce dalla conoscenza, ma parlo anche di onestà.

Il tuo studio è una “bottega” di strumenti e sei un profondo conoscitore della provenienza e della storia di ognuno di essi. Che tipo di legame hai con questi oggetti? Anche se la domanda potrebbe essere banale: hai uno o più strumenti che preferisci o con i quali riesci ad esprimerti al meglio?

Credo fermamente che dentro ogni strumento, ogni percussione, ci sia la storia di un popolo, che qualche volta può essere anche tragica: penso alla deportazione dei neri africani nelle Americhe. Dentro uno strumento può esserci il rito, la gioia, il pianto e il dolore, ci può essere la festa, il gioco… ecco perché parlo di “rispetto” che nasce dalla conoscenza. Sono molto legato alle mie percussioni, che spesso ho raccolto nei miei viaggi… Non ho degli strumenti preferiti, credo però ci siano degli strumenti che permettono un uso più “intimo”, penso ad una kalimba o allo stesso berimbau che per essere suonato deve quasi essere abbracciato, giusto per fare degli esempi.

Passiamo all’anello di giunzione che permette meglio di comprendere la tua arte. Hai acquisito tecniche e ritmi di svariata origine, ma non ti esibisci in pubblico con strumenti come la darbouka e il berimbau dei quali sei un superbo esecutore… Come è avvenuto il passaggio all’improvvisazione sperimentale radicale? In breve potresti dire a chi non ne è a conoscenza i suoi caratteri fondamentali?

Non c’è stato un vero e proprio passaggio verso la sperimentazione, anche in questo caso mi sono interessato da subito a chi sperimentava col suono, il silenzio, il rumore; ho assemblato i miei set con quello che avevo. Sono totalmente immerso nella musica sperimentale, gong, lamiere e metalli vari, tamburi e gli oggetti trovati per caso fanno parte dei miei set sin dall’inizio. Dico questo perché inizialmente ho studiato batteria jazz e anche attraverso l’ascolto di musica di ricerca, sperimentale (chiamiamola come ci pare) ho ricercato e studiato gli stili più moderni avvicinandomi anche alla musica contemporanea. Per fare dei nomi: credo che musicisti USA come Milford Graves, Rashied Ali, Andrew Cyrille, Sunny Murray, giusto per citare velocemente i primi che mi vengono in mente , ma in realtà sono molti di più, abbiano indicato una strada precisa possibile da seguire proprio perché sono stati tra i primi a scardinare idee e concetti aprendo nuove strade. Subito dopo il free jazz americano in Europa è nata una “scuola” di sperimentatori che praticava la libera improvvisazione non idiomatica, penso ai primi musicisti che filtrando il free americano, (ma non solo quello naturalmente), hanno creato una musica con identità propria: parlo di  AMM con Eddie Prevost, Tony Oxley o Spontaneus Music Ensemble gestito da John Stevens, ma anche Paul Lovens e molti altri musicisti arrivati subito dopo e totalmente immersi nella libera improvvisazione non idiomatica.

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(Paolo Sanna – foto di Mauro Medda)

Due parole su: strumenti preparati, tecniche estese, importanza del gesto esecutivo.

Fu John Cage che parlò di pianoforte preparato dando chiare indicazioni per un possibile utilizzo dello stesso, in modo allargarne le possibilità. Quando mi riferisco alle tecniche estese vorrei che fosse molto chiaro un concetto: per usare le tecniche estese bisogna avere una conoscenza precisa e completa delle tecniche “standard” …e da queste aprirsi alle tecniche estese, sperimentando e ricercando su uno strumento che può essere preparato o non preparato. Trovare nuove soluzioni (e quindi ripensare lo strumento con nuove idee) è fondamentale nel mio fare musica. Qui entra in gioco anche l’idea di gesto esecutivo che aiuta ad arrivare ai risultati cercati. Credo che la creatività sia elemento fondamentale e credo anche che la creatività debba essere alimentata continuamente con input quali ascolti, letture, scambi con musicisti e altro.

Appartieni ad una nicchia di musicisti e di ascoltatori molto stretta e nel tuo specifico ambito sei stato definito una figura di punta a livello internazionale: dove e da chi sei stato menzionato? Quanti dischi hai pubblicato finora? Quali sono i Paesi nei quali è più facile trovare degli spazi per il genere che pratichi?

Sì, spesso si usa la parola nicchia quando si parla di libera improvvisazione non idiomatica. Io stesso mi considero un musicista “non allineato” e  indipendente, infatti tutti i miei lavori li produco io e vendo i miei cd nei concerti o spedisco a chi è interessato. Sento verso me e il mio lavoro molta attenzione e interesse oltre che rispetto e stima da parte di diversi percussionisti e musicisti in genere, sia italiani che stranieri. Basta cercare in rete le recensioni e le interviste che parlano dei miei lavori per farsi un’idea più precisa; ho avuto e ho con una certa regolarità recensioni in Italia, Spagna e in USA. Per quanto riguarda gli spazi: in Italia sono pochi, credo sia vincente l’autogestione tra musicisti che si uniscono per creare eventi, piccoli festival e scambi. In questo periodo sono in uscita diversi miei lavori: un live in trio con Elia Casu e Giacomo Salis per Floating Forest (una piccola label e collettivo indipendente di Verbania), i miei lavori in solo e diversi progetti sono usciti per Setola di Maiale (label indipendente  di Pordenone). Altri lavori che mi vedono presente sono usciti due anni fa in Usa: sono stato coinvolto come unico europeo in un progetto nato dalla scena dei percussionisti creativi di Los Angeles… Nel progetto ogni percussionista presentava un solo; il tutto è uscito per Castor and Pollux Music, del percussionista californiano Nathan Hubbard. In Italia sono uscito per Ticonzero di Cagliari e per la siciliana Improvvisatore Involontario e sono presente in altre label come ospite nei lavori di alcuni amici musicisti. Credo di aver suonato in circa 40 dischi…

Mi capita di suonare in Europa in festival indipendenti e sempre legati a musiche di ricerca. Forse la nazione dove ho fatto più performance, oltre l’Italia naturalmente, è la Spagna, dove torno periodicamente… ma ho suonato e spero di continuare a farlo, in tutte le nazioni dell’Europa occidentale.

In Sardegna collabori con alcuni musicisti: chi sono? Anche a raggio più ampio condividi progetti live e discografici, scambio di strumenti, informazioni e tecniche con un insieme di musicisti come te che è una sorta di “carboneria”: spiega un po’ di chi si tratta!

In Sardegna ho collaborato e incontrato un numero considerevole di musicisti. Da Alessandro Olla, docente in Conservatorio di musica elettronica, col quale collaboro da tanti anni, a Simon Balestrazzi, che mi ha ospitato in due suoi lavori, senza dimenticare il MOEX, un collettivo di sperimentatori sardi che invitava negli anni novanta importanti musicisti europei per fare dei laboratori e concerti. Parlo di musicisti del calibro di Tim Hodgkinson, Jean Marc Montera o Victor Nubla, con i quali si improvvisava e si suonava. Quella del MOEX fu un’esperienza molto importante allora, che permise un confronto e uno scambio continuo, gli stessi Olla e Balestrazzi ne facevano parte. Oggi il mio progetto in solo è centrale. In Sardegna sto lavorando in duo con Giacomo Salis, percussionista creativo di San Sperate molto interessante: Giacomo ha una curiosità che raramente  trovo in altri musicisti. Il duo è in continua crescita ed è stato documentato per ora con un live nel lato B di una cassetta uscita in Germania per Gravity’s Rainbow Tapes, una label che pubblica musica sperimentale (il lato A della stessa è un importante e interessante progetto in solo di Giacomo, My Problem Child). Presto usciranno dei nuovi lavori che documenteranno le nostre performance. Con Giacomo c’è uno scambio continuo di musica, testi e impressioni, siamo convinti che alimentando la nostra creatività in questo modo e condividendo il più possibile si arrivi ad avere un linguaggio comune …lavorando in area estrema è fondamentale fare in questo modo. Ho poi diversi progetti fuori Sardegna, sempre documentati su cd: il duo col cornettista Luca Santini, di Rovereto (un creativo visionario con un approccio personale e interessantissimo alla cornetta), la collaborazione con Luca Pissavini e Antonio Mainenti documentata su Bunch Records di Milano (label dello stesso Pissavini che sta anche facendo uscire dei miei lavori in solo), ci sono poi lavori usciti in trio con Mauro Basilio, violoncellista che sta a Parigi e Fabrizio Bozzi Fenu che fa base tra Marsiglia e Cagliari, un lavoro in trio con Mauro Sambo, grande polistrumentista di Venezia, in trio con Giacomo Salis uscito per la norvegese Petroglyphe music il mese scorso, senza dimenticare OnGaku2 e il Collettivo di Resistenza Culturale gestiti insieme al chitarrista Elia Casu. Ho poi dei contatti continui con molti musicisti, percussionisti, che condividono idee e meccanismi legati al fare libera improvvisazione, ma questo credo sia normale tra creativi con la giusta apertura mentale!

Sei una persona molto riservata. Non mi pare che ami troppo la pubblicità e che ti interessi ottenere l’appoggio dei grandi sponsor o riscuotere clamori mediatici e del grande pubblico.  Trovo curioso notare come un artista del tuo spessore, pur essendo profondamente rispettato e conosciuto, sia quasi totalmente “fuori” dalle cerchie dei musicisti e degli spettacoli della Sardegna… Come mai? E’ solo una scelta personale o forse qualcosa potrebbe funzionare diversamente tra gli artisti dell’Isola?

Si, credo che il mio carattere mi porti verso quel tipo di riservatezza che dicevi, per me è normale, non sento proprio il bisogno di ostentare, ci sono i miei lavori, i progetti, i concerti, le interviste e le recensioni che testimoniano chiaramente quello che sono. Ma sarebbe stupido negare che questi aspetti non debbano essere curati. Non sono interessato a sponsor perché preferisco comprare e suonare gli strumenti che mi interessano e piacciono veramente: ho dei piatti fatti a mano in Turchia che compro direttamente dagli artigiani locali e molte delle mie percussioni sono artigianali, sono dei pezzi unici. Non mi interessa avere uno strumento costruito in serie con un suono standard, lo trovo poco interessante, ma naturalmente sono gusti personali. Entro in difficoltà se devo comprare, ad esempio, uno strumento brasiliano costruito in Cina: si possono infatti reperire degli strumenti originali che suonano meglio.

Il fatto di essere poco presente dentro la cerchia dei musicisti sardi credo sia un caso. Io, come ho detto più volte, mi muovo in un’area particolare e sono poco o nulla interessato a suonare in contesti quali la piazza. Comunque il tutto è legato anche al fatto che ho diversi progetti fuori Sardegna.

Nel tuo modo di vivere la musica è presente anche una componente spirituale?

Sono profondamente ateo, ho un grande rispetto per tutte le religioni e vorrei che lo stesso rispetto ci fosse verso chi è ateo: sono convinto che “una certa componente spirituale” sia presente in ogni persona. Gli studi e le ricerche mi portano spesso ad avvicinarmi al rito, sia esso sciamanico o terapeutico; mi trovo a studiare spesso forme animistiche di religioni considerate a torto primitive e che io invece trovo logiche e giuste. Mi piace immergermi in letture zen e considero la poesia zen, sia antica che moderna, molto interessante.

Quali sono i tuoi progetti futuri e cosa vorresti per il futuro della nostra Sardegna dal punto di vista musicale?

Come dicevo prima ci sono dei lavori in uscita per diverse etichette indipendenti, quindi… stay tuned! Poi porterò in giro i lavori e i progetti che mi vedono coinvolto nel circuito indipendente sia in Italia che all’estero. Sono sempre molto attento a ciò succede in area free impro e sono disponibile per collaborazioni varie …se rientrano nel mio modo di vivere la musica.

Per la Sardegna vorrei che ci fossero più occasioni e possibilità, più opportunità per i musicisti di far conoscere i propri progetti fuori dall’Isola, in modo particolare quei lavori di qualità che spesso stentano a trovare la visibilità che meriterebbero!

Vorrei infine ringraziarti per questa intervista e ringraziare chi ha speso qualche minuto per leggerla.

Grazie a te Paolo! Ci vedremo presto per nuove lezioni, chiacchierate e interviste!

Potrete trovare materiali e contatti su Paolo Sanna ai seguenti link:

https://www.facebook.com/paolo.sanna.1481?__mref=message

http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Fpaoperc.wix.com%2Fpaolosannaperc&h=aAQGTtmte